“I only work with topics that appeal to me”
Interview with Ingrid Nachstern
Ingrid Nachstern is an Irish screendance maker that certainly knows how to break the fourth wall. Strongly based on violence and, especially, gender violence phenomenon and specific cases. Her work is not only dance for the camera but also a place for poetry. Through very stylized texts, she creates rhythmic atmospheres in which words say much more than what they just mean.
Nachstern has been granted several awards, including Best Shorts (Recognition Award) California and the Silver Screen Award (Nevada International Film Festival, 2015) for her first film; two IndieFEST Awards (2016) and the Audience Award (Brooklyn Film Festival, 2016) for her second piece. Her third film, recently screened at the Brooklyn Film Festival (2018), has been granted recognition at the IndieFEST in California and was a Remi Winner at the 51st Annual Worldfest-Houston International Film Festival in 2018.
Your first film was in the beginning a piece for the stage, right?
Right. Table Manners/Stopping at Red Lights (2014) was at first a 30-minute dance piece in 2013, along with my second film, Freedom-to go! (2015). In these cases, particularly the first one—because I had never made a film before—I wasn’t quite sure if it would work. I was scared of losing the essence of the dance piece, but I could rely on (Luca) Trufarelli, my cinematographer. He is very expert in his field and also he is good artistically. He is very sympathetic to my way of thinking and we get on really well. So Shoe Horn/Office (2018) was the first film I made that hasn’t been a live dance work. For this third piece I started thinking in shots in my head.
Ingrid Nachstern in Table Manners/Stopping at Red Lights (2014), her first film. Ph: Ingrid Nachstern-Luca Truffarelli.
So, it was the first one you didn’t have to, let’s say, translate to a different language. What does this new way of working require from you? What does screendance provide for you as an artist and what does it ask in return?
In a dance piece you are giving people various options of what to look at, whereas in a film you are just giving them one option, you are presenting one aspect. I think this suits my work better, because I have to be very specific, and I have to pare down to the absolute minimum, both to get my point across and not to bore my audience. They might like it or not (this is beyond my control) but if the audience is bored then I would feel that I had failed. In films, I can do my choreography and, hopefully, produce striking images for the audience. I can incorporate music and have dialogue and running text. I’m doing more of that now. Up to making Table Manners I had made fourteen dance works and I had never put in any text, it was purely dance. That was the first time, and then Freedom-to-go!, and later in Shoe Horn/Office, text became like a running commentary through it.
How do words come into place during your creative process? Do you write and then choreograph, does it happen all together, does the idea come first?
In Table Manners the idea came first and then the text came before the dance. For Freedom-to-go! again, I think the text came first. The original idea was about immigration to the States. There’s a section in which Michael (Cooney) says “stairgo, stairgo, stairgo”, and that was an amalgam of “stay or go”, something I heard in a restaurant in Canada while I was ordering my meal, and at first, I couldn’t understand it. My husband and I had just arrived that week for what could have been an indefinite stay. While making this piece, I had a two-month period in which I sat at my table for a few hours every day and I felt I was really just a vessel for all this text and information, I felt it just came from somewhere else.
It works in a rhythmic way, like poetry, which also has this effect of “coming from somewhere else”, maybe because it’s not only what it means literally, but also this other criterion of rhythm that constitutes it. In fact, in your first film there are three languages—Spanish, English and German. Both Spanish and German are used in a repetitive way, with phrases that rhyme, have similar structures or are pronounced several times, so even if you don’t speak these languages, as a viewer, you can focus on the sound of it, the cadenza. How did these foreign words enter the piece?
Lucia Kickham in Table Manners/Stopping at Red Lights (2014). Ph: Ingrid Nachstern-Luca Truffarelli.
I used to be a translator and I adore languages. In the opening scene of Table Manners, “¿dónde está el equipaje?” really means “where is the baggage?” but doesn’t mean anything. I just love the sound of it and it brings a kind of surreal nonsense to the whole piece. And then I was trying to play on words in German about Kunst, which is the word for “art”.
Your work tends to get more provocative throughout the years. Shoe Horn/Office, your most recent piece, is especially pungent, but with hindsight the three of them speak very directly to the audience. Do you deliberately go for this effect? Do you choose your topics with this in mind?
I only work with topics that appeal to me. In Table Manners I was thinking about social norms after this guy in the north of England went on a rampage driving through various villages and killing people on the way, while stopping at red lights. Freedom-to-go! expanded from the topic of immigration to a commentary on the USA covering such things as pornography, child beauty pageants, the Iraq war. And the starting point for Shoe Horn was reading about this guy from Stanford University who had allegedly raped a girl on campus while she was comatose. He was imprisoned for six months, and his father said “Oh, what a pity, he won’t be able to eat steak” and also thought that the sentence was a bit harsh for “a little bit of action”. It was after that phrase, how he dismissed what his son did to this girl as a little nothing, that I started doing this rap based on what he had said. And the other strand came because I was reading about a woman who was working for a London city firm and was sent home for refusing to wear high heels. As a feminist, that got to me and got me thinking about the practice of Chinese binding feet, corsets… so it was all that, growing through that.
How do you find equilibrium to be direct regarding such striking topics and at the same time not become repellent, not to drive your audience away?
I agree that Shoe Horn/Office is a little more graphic, but I always want to stay on the right side of it not being vulgar. I want to make the point without absolutely crossing the line, because then it becomes something else. It’s like when my dancer (Millie Daniel-Dempsey) is in a body suit in the end, she’s like a dog being taken for a walk. And I said to my stage manager at the time: “I need a nude body suit but through which you don’t see anything, except you know it’s a woman. I don’t want to be graphic, I don’t want to make it into a pornographic film”. I think the films do make for uncomfortable viewing, but not so uncomfortable that you have to look away. I’m very careful not to sensationalize, I need to keep the viewer with me.
Where are you going from here?
I’m planning my fourth film, which I started last September when I was in London, and it’s going to be about cosmetic surgery. It’s going to be slightly more graphic than the last one, but again, in a controlled way. I think the present generation of kids, who are now around fourteen or fifteen years old, are bombarded with how every single part of their body is wrong, and there’s a remedy for everything. I didn’t have those pressures when I was growing up. In the present generation you have very young children suffering from anxiety disorders, because they think they are too fat, or their boobs aren’t pert enough, or their bottom… whatever. All the celebrity culture promotes this craziness, everybody looking at their backside instead of being glad of just being alive!
Millie Daniel-Dempsey in Shoe Horn/Office (2018). Ph: Ingrid Nachstern-Luca Truffarelli.
Photo: Michael Cooney, Ingrid Nachstern and Lucia Kickham in Freedom-to-go! (2016), Nachstern’s second film (cinematography by Luca Truffarelli).
Ingrid Nachstern es una realizadora de videodanza irlandesa que sin duda sabe cómo romper el cuarto muro. Fuertemente inspirada en la violencia, especialmente, en el fenómeno de la violencia de género y en casos puntuales. Su trabajo no es solo una danza para la cámara sino también un espacio para la poesía. Mediante textos muy estilizados, crea atmósferas rítmicas en las que las palabras dicen mucho más de lo que simplemente significan.
Nachstern ha obtenido numerosos premios, incluido el Premio Reconocimiento a la Mejor Edición y el Premio Silver Screen (Nevada International Film Festival, 2015) por su primer film; dos premios IndieFEST (2016) y el Premio de la Audiencia (Brooklyn Film Festival, 2016) por su segunda pieza. Su tercer film, proyectado recientemente en el Brooklyn Film Festival (2018), ha obtenido un reconocimiento en el IndieFEST de California y fue ganador de un Remi en el 51 AnnualWorldfest-Houston International Film Festival en 2018.
Tu primer film fue en sus inicios una pieza escénica, ¿correcto?
Correcto. Table Manners/Stopping at Red Lights (2014)[1] fue en sus inicios una pieza de danza de treinta minutos del año 2013, al igual que mi segundo film, Freedom-togo! (2015).[2] En estos casos, particularmente en el primero –dado que nunca antes había hecho un film– no estaba muy segura de que pudiese funcionar, temía perder la esencia de la pieza de danza. Pero pude contar con (Luca) Trufarelli, mi director de fotografía. Él tiene mucha experiencia en su campo y también es bueno artísticamente. Empatiza mucho con mi forma de pensar y nos llevamos muy bien. Entonces ShoeHorn/Office (2018)[3] fue el primer film que hice que no surgió a partir de una obra de danza en vivo. Para esta tercera pieza, comencé a pensar en tomas en mi cabeza.
Ingrid Nachstern en Table Manners/Stopping at Red Lights (2014), su primer film. Ph: Ingrid Nachstern-Luca Truffarelli
De modo que ShoeHorn/Office fue la primera obra que no debiste, digamos, traducir a un idioma diferente. ¿Qué requirió esta nueva forma de trabajar? ¿Qué te brinda la videodanza como artista y qué pide a cambio?
En una pieza de danza ofrecés a las personas varias opciones de qué mirar, mientras que en un film solo les proponés una opción, les presentás un aspecto. Creo que esto se ajusta mejor a mi trabajo porque tengo que ser muy específica y tengo que reducir a lo mínimo indispensable, tanto para transmitir mi mensaje como para no aburrir a la audiencia. Puede gustarles o no (esto está fuera de mi control), pero si la audiencia se aburre siento que he fallado. En un film, puedo hacer mi coreografía y –espero que así sea– también generar imágenes atractivas para los espectadores. Puedo incorporar música, así como diálogo y texto continuo. Estoy haciéndolo cada vez más ahora. Hasta Table Manners, había creado catorce obras de danza y nunca había incluido texto, era danza pura. Esa fue la primera vez que lo hice, luego también en Freedom-to-go!y, más tarde, en ShoeHorn/Office, el texto se convirtió en un comentario continuo a través de la pieza.
¿Cómo se ordenan las palabras durante tu proceso creativo? ¿Viene primero la escritura y luego la coreografía, ocurren al mismo tiempo, la idea llega primero?
En Table Manners la idea vino primero y luego el texto, antes que la danza. Para Freedom-to-go!, nuevamente, el texto vino primero. La idea original era sobre la inmigración a los Estados Unidos. Hay una sección en la que Michael (Cooney) dice “stairgo, stairgo, stairgo”, que es una amalgama de “stayorgo”,[4] algo que escuché en un restaurante en Canadá mientras pedía mi comida y que al principio no lograba comprender. Mi esposo y yo estábamos recién llegados y aún no sabíamos si volveríamos a nuestro país. Mientras hacía esta pieza, dediqué un periodo de dos meses a sentarme a mi mesa durante varias horas por día y sentía que en realidad yo era un recipiente para todo este texto, sentía que esta información provenía de otro lugar.
Funciona de manera rítmica, como la poesía, que también tiene el efecto de “venir de otro lugar”, quizás porque no es solo lo que significa literalmente, sino también este otro criterio de ritmo que la constituye. En tu primer film (Table Manners/Stopping at Red Lights), de hecho, hay tres idiomas: español, inglés y alemán. Tanto el español como el alemán son utilizados de forma repetitiva, con frases que riman, que tienen estructuras similares o que se pronuncian varias veces, de modo que incluso el espectador que desconoce estos idiomas puede sin embargo concentrarse en su sonido, en su cadencia. ¿Cómo ingresaron estas palabras extranjeras a la pieza?
Yo solía ser traductora y adoro los idiomas. En la primera escena de Table Manners, “¿dónde está el equipaje?”[5] realmente no significa nada. Simplemente me encanta su sonido e introduce una especie de sinsentido surreal en toda la pieza. Luego quise jugar con las palabras en alemán acerca de Kunst, que significa “arte”.
Lucia Kickham en Table Manners/Stopping at Red Lights (2014). Ph: Ingrid Nachstern-Luca Truffarelli
Tu trabajo tiende a volverse más provocativo a lo largo de los años. ShoeHorn/Office, tu pieza más reciente, es especialmente incisiva, pero en retrospectiva las tres se dirigen muy directamente a la audiencia. ¿Hay una búsqueda deliberada de este efecto? ¿La elección de los temas tiene esto en cuenta?
Solo trabajo con temas que me interpelan. En Table Manners estaba reflexionando sobre las normas sociales después de que un hombre en el norte de Inglaterra provocase una masacre conduciendo por varios pueblos y matando gente en el camino, pero deteniéndose en los semáforos en rojo. Freedom-to-go! se expandió desde el tema de la inmigración hacia el comentario sobre los Estados Unidos que incluye cuestiones tales como la pornografía, los concursos de belleza para niñas y la guerra en Irak. El punto de partida de ShoeHorn fue leer sobre este hombre de la Universidad de Stanford que había, presuntamente, violado a una chica en el campus mientras ella estaba inconsciente. Fue a prisión por seis meses y su padre dijo “Oh, qué pena, no podrá comer carne” y consideraba que la sentencia era un poco dura por haber tenido “un poco de acción”. Fue después de esta frase, de pensar cómo él desestimó lo que su hijo le había hecho a esta joven como si fuese una pequeñez, que comencé a escribir este rap basado en sus dichos. Y la otra línea surgió porque estaba leyendo sobre una mujer que trabajaba en una compañía de Londres y fue despedida porque no estaba dispuesta a usar tacones altos. Como feminista, esto me llegó y me puso a pensar sobre la práctica del vendado de pies en China, sobre el corsé… entonces todo fue creciendo a partir de ahí.
¿Cómo se llega al equilibrio de ser directa sobre temas tan contundentes y al mismo tiempo no resultar expulsiva, no ahuyentar a la audiencia?
Coincido en que ShoeHorn/Office es un poco más gráfica, pero siempre busco permanecer del lado correcto, no ser vulgar. Quiero plantear una perspectiva sin cruzar la línea en absoluto, porque entonces se convertiría en otra cosa. Por ejemplo, cuando mi bailarina (Millie Daniel-Dempsey) usa un traje hacia el final, se ve como un perro al que están paseando. Yo le dije a mi director escénico en ese momento: “Necesito un traje en el que parezca desnuda, pero a través del cual no se vea nada, salvo que es una mujer. No quiero ser gráfica, no quiero convertirlo en un film pornográfico”. Creo que los films provocan incomodidad en el espectador, pero no tanta como para que deba dejar de mirar. Soy muy cuidadosa de no sensacionalizar, necesito que el espectador permanezca conmigo.
¿Hacia dónde se dirige tu trabajo?
Estoy planificando mi cuarto film que comencé en septiembre pasado cuando estaba en Londres. Tratará sobre la cirugía estética. Será un poco más gráfico que el anterior, pero, de nuevo, en forma controlada. Creo que la generación actual de jóvenes que hoy tienen entre catorce y quince años de edad están siendo bombardeados con ideas respecto de cómo cada parte de su cuerpo está mal y cómo hay un remedio para todo. Yo no vivía bajo esta presión cuando crecí. En la generación actual, hay niñas sufriendo trastornos de ansiedad porque piensan que están muy gordas, o que sus pechos no son suficientemente provocativos, o que sus nalgas… lo que sea. Toda la cultura de las celebridades promueve esta locura, ¡todo el mundo mirando su parte trasera en lugar de sentirse felices de simplemente estar vivos!
Millie Daniel-Dempsey en Shoe Horn/Office (2018). Ph: Ingrid Nachstern-Luca Truffarelli
Foto: Michael Cooney, Ingrid Nachstern y Lucia Kickham enFreedom-to-go! (2016), el segundo film de Nachstern (con fotografía de Luca Truffarelli).
[1]Modales en la mesa/Parar en el semáforo en rojo.
[2]¡Libertad para llevar!
[3]Calzador/Oficina.
[4] “Stayorgo” significa, en sentido literal, “quédate o vete”, o bien “quedarse o irse”, pero es también el modo en que se consulta a un cliente si su pedido será “para comer aquí o para llevar”.
[5] En español en el film.