Discovering who you are takes time….
Getting the courage to share important ideas and stories takes time…
Accepting that you have the need to share and express your ideas and emotions with others takes time to process…
Learning the tools to be able to articulate your ideas takes time…
Gathering the energy and strength to make it happen takes time……
Expressing yourself is not so easy…
The society you live in pushes you to produce, create, and make “things” in order to be visible, to exist, but is up to us to know what to listen to. It takes focus to understand our own deep needs and desires to create.
Writing this article for you, sharing my point of view with others is my duty and my pleasure!
First steps and ideas
I choreographed my first piece when I was 11 years old. There were six dancers dancing on pointe to the music of Paul McCartney and it was 10 minutes long. From that point on I never stopped creating! At the moment, my repertory includes 15 full length shows, many commissioned works for TV, dance companies, theatrical productions, opera, and music videos, as well as 8 short dance films! Since 2006, I have presented 400 performances, and performed at 100 venues, presenting thought provoking and historically conscious dance-theater in NYC.
Being a choreographer is a way of seeing life, an attitude, a way to both absorb and react to life. It’s a way to express thoughts of one’s inner world.For as long as I can remember, whether I was taking class, dancing for other companies, or teaching, my mind has always filtered movement through my composition-analytical eye.
In 2000, I started teaching Dance Composition/Choreography workshops in response to interest expressed by professors and teachers from schools near L’Atelier in Bahia Blanca, Argentina. These educators and I formed a community that generously exchanged ideas, experiences, and knowledge. My courses attracted a diverse group of theater directors, visual artists, filmmakers, singers, teachers of ethnic dance, church choir directors, flamenco dancers, hip hop teachers, skaters, and ballet teachers. I love that my work allows me to embrace diversity because all those settings invariably provided a unique opportunity to grow.
Pandemic and choreography
From 2020 to the present, I created and direct the Online Choreographic Mentorship Program; a unique program that offers a personally tailored opportunity for aspiring and professional choreographers.
I offer monthly workshops where we explore different questions and topics relating to choreography. We also focus on development and experimentation with different techniques of Choreography, exploration and examination of the individual creative process, artistic brainstorming, feedback on previous choreography, advice on topics such as writing about your work, as well collaborating with another artists and designers.By exploring different choreographic methodologies (for live performances as well as for an online audience) the artists work on a new creation with their newly expanded creative toolbox.Giving people the tools to analyze, appreciate, look at, and see the delicate balance required of choreography is like handing them a knife and fork so they can eat a meal. For some, it’s enough to give them permission to use their hands to eat!
When I teach dance composition, I reorganize, reconsider, reconstruct, and rediscover my own tendencies, tastes, and the use of media. Who, what, where, why, and to whom, are the leading questions for my explorations.
Form and content are in an inextricable relationship! Giving an idea, a thought, or an emotion a form in time and space is meticulous and soul-searching work.When I choreograph, I always think of Eugenio Barba and his theory of the four audiences. When he created his pieces, he imagined four people who together would form the perfect audience: “a blind man, a deaf man, a child, and a critic.” This helped him achieve both breadth and depth as a director.
Why choose dance as your language, the medium with which to express and shape your life? My aim is to wake the creative impulse in others.Like an artisan, with each choreographic endeavor, I refine my ability to explore ideas through movement and examine how to communicate. When I choreograph, I declare my views on a particular topic. Some ideas need to shout, some whisper, and some require a clear, firm voice. As I build a choreographic repertory, I continually solidify and purify my choreographic style.
Transmitting my ideas as a choreographer is a delicate process. Precision, clarity of ideas, and effective synthesis help the dancers grasp my work and find the focus of their creative and interpretive search. Sometimes I need to be sincere and tell them “I am confused, I am lost in my own creative process! Help me find Ariadne’s golden thread and get back to safety!”
The Form
As a dancer, I am a technician. I trained with Russian and Cuban Ballet dancers in my early years. Mastering the technical aspect of Ballet gave me the structure to face the unknown choreographic adventures I would confront much later on. I love teaching Anatomy and Barre a Terre to offer dancers an understanding of how their body works as an instrument for their expression.
At the beginning of my creative life, sometimes I just went with my intuition and ignored all the technical aspects. My composition teacher told me that choreographing 100% by intuition was a weakness, and urged me to keep studying. It’s good advice I’m happy to pass along.
Later I became obsessed with technicality, phrases of movement, and the exploration of the kinesphere, in order of be inventive with my movements. I explored and designed in the physical spaces where I planned to show my creation, but my pieces turned out to be sterile, mechanical, and life-less. Until I abandoned this overly technical approach, my pieces were boring.
Now, after so many years, I’ve fully embodied the technical aspects and I can let go and follow my intuition again. I’ve come full circle, and by trusting my gut, my pieces are alive, sustained my technique!
The Content
Each choreography that I create is driven by the exploration of a theme, but also involves mastering or solving a technical “problem” in choreography.Let’s take a look at some recent shows and identify some themes and problems.
In the most recent piece that premiered this year (2022), La noche que dejaste de actuar (The night that you stopped acting), I explored how to be autobiographical, specifically investigating the push/pull relationship between music, lyrics, and movement. Additionally, each night of the run I was playing with verbal and non-verbal communication, and Improvisation vs. Set Choreography.In my solo show No more beautiful dances (2018), I was focused on two aspects: the body as a container and the body as a tool.I used two cameras projecting live video feeds above me to capture my movements from different angles, offering the audience a trio of my body performing from three different perspectives. For me, technology is like a magnifying glass, and I decided I wanted the magnifying glass from above and from below.
In Pursuit of Happiness (2014), I was interested in the problem of Text and Dance relationships. I alsoexploredhow memory and spirituality shape identity. In Pachamama: Mother World (2013), I pushed myself to investigate the thin line between Ritual and Performance. I tried to reconnect with the primal impulses that underlie ritual, juxtaposing intellect and instinct. In Sangre & Arena (2012), I explored Imagination, moving away from the presentational side of dance and reconnecting with the primal impulses of art.The Grass is Always Greener (2011) was a show where I dealt with the past, present, and future understanding of immigration from the point of view of an immigrant in the USA. I wanted to uncover the historical context and explore the difference between Form and Content.The Corral (2009) was a vehicle for me to fully investigate the principle Emotion creates Motion / Motion creates Emotion, and create broad stereotypical characters.The black box theater allows me to shatter preconceived ideas about life, and lead the audience in momentarily transcending awareness of our present condition.
In my short dance films, I am interested in resolving the difficulties of adapting, extracting and seeing choreographic material transform from 3D to 2D. I ask myself: How do we read dance now, with the current shift to on-screen performance? What is performance for you now during the pandemic?
The curiosity for learning and experimenting with materials, bodies, and ideas is the central core for each choreographic adventure. The process is more important than the result. The motivation for a long career is impelled both by reflecting on years past, as well as the hunger to continue working, to continue experimenting.
I am
I believe that Dance is a union and communion with ourselves, with others and with the environment.
Presence is consciousness.
My art goes hand in hand with love.
I am curious about how we create ourselves with integrity, connecting mind, body and spirit.
I am:
In between the cultures of South America, Europe, and the USA.
In between the disciplines of Dance and Theater.
In between ritual and spectacle.
In between personal and political.
In between macrocosms and microcosms.
Dance is my primary mode of personal expression, my obsession, how I make my living, and where I find joy. I have strong opinions about dance that often contradict what is popular, and I enjoy explaining my position to people who are interested and engaged in dance.
My own work is intimate, audacious, and historically/socially conscious.
Dance informs the audience about the role of the individual in society, and makes the audience experience, feel, think and emote.
These are my favorite quotes about trying to define what is Dance, Choreography, and the Art of making dance:
As Doris Humphrey says in her book The Art of Making Dances: “The aspiring choreographer must be an extrovert and a shrewd observer of physical and emotion conduct… Honesty is essential. What do I believe in? What do I want to say?”
“Dance as a Metaphor of Thought” in Dance as a Metaphor of Thought, AlainBadiou.
“Choreography is just a frame, a structure, a language where much more than dance is inscribed”, Jerome Bel (quoted inJen Joy, The Choreographic).
“Apparatus of Capture”,Andre Lepecki (Choreography as Apparatus of Capture).
“What does choreography- as a concept, as practice – offer in this particular moment of cultural crisis? Perhaps Choreography invites rethinking of orientation in relationship to space, to language, to composition, to articulation and to ethics.To engage choreographically is to position oneself in relation to another.” (The Choreographic, Jen Joy).
“Choreography and dance are often proposed as causally related. Choreography is the means and dance the end, or as the American choreographer Doris Humphrey suggested, choreography is the art of making dances, and the other way around, dance is made of, or the result of choreography. Dance and choreography confirm each other, without need of external input. Perhaps what dance and choreography needs most of all is not a house but a divorce.”,Post-dance, An advocacy, Marten Spangberg.
For me,Art is a political act.
Dance is discipline and revolt.
My body is my country.
Choreography is agency.
In order to create you need Courage. The word “courage” comes from a Latin root word meaning “of the heart.”
In the book Courage to Create (1975), by Rollo May, he talked about different kinds of courage: Physical Courage, Moral Courage, Social Courage, and Creative Courage.May calls our attention to the tension between conviction and doubt as the foundation of the highest form of courage. The creative individual balances conviction and doubt. Here are some of his quotes:”Creativity arises out of the tension between spontaneity and limitations, the latter (like the river banks) forcing the spontaneity into the various forms which are essential to the work of art or poem.”; “If you do not express your own original ideas, if you do not listen to your own being, you will have betrayed yourself. Also, you will have betrayed your community in failing to make your contribution.”
For me, art is about celebration and criticism of socio-political and cultural barriers. It is a ceremony of awareness.
Courage reveals intimacy.
I invite to frame your own impulses of freedom by choreographing!
*Photos by Todd Carroll
Descubrir quién eres lleva años….
Tomar coraje para compartir ideas e historias que son importantes para ti, lleva tiempo…
Aceptar que tienes la necesidad de compartir y expresar tus ideas y emociones con los demás requiere un proceso…
Obtener las herramientas para poder articular tus ideas lleva tiempo…
Reunir la energía y la fuerza para hacer realidad tus visiones artísticas lleva mucho tiempo y coraje…
Expresarse no es fácil…
Como artista, y especialmente en el mundo de la Danza, la sociedad y, como algunos lo llaman, “el Mercado”, te empujan a producir continuamente y a hacer “cosas” o “productos de arte” en orden de existir y ser visible en nuestro “ambiente” artístico. Ello genera conflictos externos, distracciones y además, la mirada está en el lugar equivocado: uno se fija en el suceso y en los “productos” y no en el proceso creativo. De nosotros depende saber escuchar nuestras propias necesidades internas y deseos profundos de crear, y silenciar las expectativas exteriores.
Escribí este artículo para ti. Compartir mi punto de vista con los demás es mi deber y mi placer como educadora y artista en estos 32 años de labor ininterrumpida.
Primeros pasos e ideas
Coreografié mi primera obra cuando tenía 11 años. El cast estaba formado por seis bailarines, la obra era de estilo neoclásico, con música de Paul McCartney y una duración de 10 minutos. ¡A partir de ese momento nunca dejé de crear! Hasta ahora, mi repertorio se extiende a 15 espectáculos de larga duración, muchos trabajos coreográficos comisionados para televisión, compañías de danza, producciones teatrales, espectáculos de ópera y videoclips y 8 cortometrajes de danza. Desde 2006, he presentado más de 400 actuaciones en 100 lugares, explorando el formato de la danza-teatro en Nueva York. Mi trabajo es íntimo, audaz e histórica y socialmente consciente.
La danza informa a la audiencia sobre el papel del individuo en la sociedad y hace que sienta, piense y se emocione. Ser coreógrafo es una forma de ver la vida, una actitud, una forma de absorber y reaccionar ante la vida. Es una manera de expresar nuestros pensamientos y nuestro mundo interior. Desde que tengo memoria, ya sea que estuviera tomando clases, bailando para otras compañías o enseñando, mi mente siempre ha filtrado el movimiento a través de mi ojo analítico-coreográfico.
Comencé a dictar talleres de Composición Coreográfica en el año 2000, en respuesta al interés expresado por profesores y bailarines de escuelas cercanas a L’Atelier en Bahía Blanca, Argentina. Esta comunidad intercambió generosamente ideas, experiencias de vida y arte. Mis cursos atrajeron a diversos grupos de artistas: directores de teatro, artistas visuales, cineastas, cantantes, profesores de danza étnica, directores de coros de iglesias, patinadores, bailarines de flamenco, bailarines de tango, folklore y ballet. Mi trabajo me permite abrazar la diversidad y brinda una oportunidad única para crecer.
¡Desde el año 2000 hasta este momento, las cosas han cambiado mucho!
Pandemia y coreografía
A partir de junio de 2020, y en medio de la pandemia, decidí crear el Programa de Tutoría Coreográfica Online (Online Choreographic Mentorship Program), y ofrecer una oportunidad única, personalizada, para que coreógrafos aspirantes y profesionales de todo el mundo puedan crear desde sus hogares, y para generar, al mismo tiempo, una comunidad digital que provea apoyo artístico como así también intercambios creativos.
El formato es mensual. Cada mes exploramos diferentes temas e indagamos diferentes técnicas de coreografía; examinamos cada proceso creativo individual, y los participantes reciben un feedback acerca de sus creaciones. Al explorar diferentes metodologías coreográficas (tanto para presentaciones en vivo como para una audiencia en línea), cada artista trabaja y amplía su caja de herramientas creativas. Darles las herramientas para analizar, apreciar, valorar, mirarse internamente, requiere un delicado equilibrio. En mi mentoría, brindo a los participantes la oportunidad de ver las posibilidades coreográficas. Yo lo comparo con ofrecerles un cuchillo y un tenedor, o palillos, o una cuchara, o darles permiso para usar sus manos para ¡“comer, digerir y asimilar” tu propio arte!
Al enseñar composición coreográfica, reorganizo, reconsidero, reconstruyo y redescubro mis propias tendencias, gustos y el uso de los distintos medios artísticos. Por qué, quién, dónde, cómo, qué y para quién son las preguntas principales de mis exploraciones.
¡La forma y el contenido de una creación están íntimamente conectados, como el yin-yang! Dar forma a una idea, un pensamiento o a una emoción en el tiempo y en el espacio es un trabajo minucioso y de examen de conciencia. Cuando coreografío siempre pienso en Eugenio Barba y su teoría de la audiencia “perfecta” conformada por cuatro personas: “un ciego, un sordo, un niño y un crítico”. Esto lo ayuda a Barba a lograr tanto amplitud como profundidad como director. En mis trabajos siempre aplico esta teoría.
¿Por qué elegir la danza como lenguaje, como medio con el que expresar y dar forma a tu vida? Mi respuesta: el objetivo es despertar el impulso creativo en los demás. Como un artesano, con cada espectáculo, perfecciono mi capacidad para explorar ideas a través del movimiento y examinar el proceso de comunicación entre el artista y la audiencia. Cuando coreografío, declaro mis puntos de vista sobre un tema en particular; algunas ideas necesitan se gritadas, algunas susurradas; algunas requieren una voz clara y firme. A medida que construyo mi repertorio, solidifico y purifico mi estilo coreográfico.
Transmitir mis ideas como coreógrafa es un proceso delicado. La precisión, la claridad y la síntesis efectiva ayudan y guían a los bailarines a captar mi trabajo y encontrar el foco de su búsqueda creativa e interpretativa. ¡A veces necesito ser sincera y decirles “¡Estoy confundida, estoy perdida en mi propio proceso creativo, ayúdenme a encontrar el hilo de Arianna en el laberinto!”. Es la comunidad la que me sostiene. Nos sostenemos mutuamente.
La forma
Como bailarina soy muy técnica. No puedo escapar de mi entrenamiento en Ballet de la escuela rusa “Vaganova” y la Escuela Cubana. Dominar el aspecto técnico del Ballet me dio la estructura para afrontar mis aventuras coreográficas de otra manera, más formal al principio. Mi trabajo como educadora durante tantos años, enseñando Ballet, Anatomía y Barre a terre es una continuación directa de mis preguntas y cuestionamientos acerca de la biomecánica y de mi entendimiento de cómo funciona el cuerpo en cuanto instrumento de expresión total del ser.
El comienzo de mi vida creativa fue intuitivo e ignoraba todos los aspectos técnicos. Esas eran mis debilidades, como decían mis maestros de composición coreográfica. Seguí estudiando, probando y errando, y luego me obsesioné con el estudio de los elementos coreográficos, con la teoría de las frases de movimiento, con la exploración de la kinesfera para la invención de mi propio vocabulario de movimiento, etc., etc., pero mis piezas tendían a ser estériles, mecánicas, sin vida. Hasta que en un momento abandoné este esfuerzo técnico y dejé que mi intuición me guiara nuevamente.
Ahora, después de tantos años, donde los aspectos técnicos están encarnados y automatizados, me puedo dejar llevar de nuevo por mi intuición. Libertad y límites. Caos y orden. Abrazo siempre esta dualidad.
El contenido
Para cada una de mis coreografías realicé dos cosas: la exploración temática y la atención hacia la inquietud de dominar o resolver un “problema” técnico en la coreografía. Aquí van algunos ejemplos de mis últimas obras.
En mi último espectáculo estrenado este año (2022), La noche que dejaste de actuar, exploré mi autobiografía, investigando específicamente la relación entre música, lírica y movimiento. Mi foco fue encontrar un equilibrio entre la comunicación verbal y la no verbal y entre la improvisación y la coreografía. En No More Beautiful Dances (2018), me enfoqué en dos aspectos: mi cuerpo como contenedor y como herramienta. Utilicé la tecnología (dos cámaras de transmisión en vivo, dos computadoras y dos proyectores para capturar mis movimientos desde diferentes ángulos), ofreciendo al público un trío de la performance de mi cuerpo, procurando una democratización de la imagen. Para mí, la tecnología es como una lupa que aumenta las posibilidades expresivas y de comunicación.
En In Pursuit of Happiness (2014), me concentré en el problema de las relaciones entre texto y movimiento, así como también investigué cómo la memoria y la espiritualidad dan forma a la identidad.
Pachamama: Mother World(2013) me empujó a investigar la delgada línea entre el ritual y la performance, reconectando con los impulsos primarios que subyacen en el ritual, yuxtaponiendo intelecto e instinto. En Sangre & Arena(2012), exploré la imaginación, alejándome del aspecto escénico de la danza y reconectándome con los impulsos primarios del arte. En The Grass is Always Greener (2011), exploré el elemento tiempo, poniendo en juego mi punto de vista acerca del tema de la inmigración desde mi ángulo particular como persona latina viviendo en USA. Investigué cómo lidiar con el contexto histórico y la tensión entre la forma y el contenido de una obra. En The Corral(2009) trabajé a fondo el principio La emoción crea movimiento / El movimiento crea emoción, así como también el crear personajes estereotípicos. La caja negra del teatro me permite romper ideas preconcebidas sobre la vida y así llevar a la audiencia a trascender momentáneamente la conciencia de nuestra condición actual.
En mis cortometrajes de danza me interesa resolver el problema de cómo adaptar, extraer y ver el material coreográfico transformado desde la tridimensionalidad a la bidimensionalidad de la pantalla. Me pregunto: ¿Cómo leemos danza ahora, después y durante esta pandemia?
La curiosidad por aprender y experimentar con materiales, cuerpos e ideas es el eje central de cada una de mis aventuras coreográficas. El proceso es más importante que los resultados, es por esoque mi carrera tiene sentido. Los años pasan y sigo adelante, a seguir trabajando, a seguir experimentando porque eso da sentido a mi existencia como creadora.
Yo soy
Considero que la danza es unión y comunión con nosotros mismos, con los demás y con el entorno.
La presencia es conciencia.
Mi arte va de la mano con el amor.
Tengo curiosidad acerca de cómo nos creamos a nosotros mismos integralmente, conectando mente, cuerpo y espíritu.
Yo me defino como un ser que navega entre las culturas de América del Sur, Europa y USA,
entre las disciplinas de Danza y Teatro,
entre el ritual y el espectáculo,
entre lo personal y lo político,
entre el macrocosmos y el microcosmos.
Performance y coreografía son mi principal modo de expresión, mi obsesión. Con ellas me gano la vida y es dónde encuentro satisfacción estética. Tengo fuertes opiniones sobre la danza que a menudo contradicen lo que es popular, y disfruto explicando mi posición a las personas interesadas y comprometidas con el Arte.
Quiero compartir con ustedes algunas citas para tratar de definir qué es la danza, la coreografía. Y quizás sean un punto de partida para sus propias aventuras artísticas:
Como dice Doris Humphrey en su libro The Art of Making Dances: “El aspirante a coreógrafo debe ser extrovertido, un observador astuto de la conducta física y emocional… La honestidad es esencial. ¿En qué creo? ¿Qué quiero decir?”
“La danza como metáfora del pensamiento” en Dance as a Metaphor of Thought, Alain Badiou.
“La coreografía es solo un marco, una estructura, un lenguaje donde se inscribe mucho más que la danza”, Jerome Bel (citado en Jenn Joy, The Choreographic).
“La coreografía es un aparato de captura”, Andre Lepecki (Choreography as Apparatus of Capture).
“¿Qué ofrece la coreografía, como concepto, como práctica, en este momento particular de crisis cultural? Quizás la coreografía invita a repensar la orientación en relación con el espacio, el lenguaje, la composición, la articulación y la ética. Comprometerse coreográficamente es posicionarse uno mismo en relación con otro”, The Choreographic, Jen Joy.
“La coreografía y la danza a menudo se relacionan causalmente. La coreografía es el medio y la danza el fin, o como sugería la coreógrafa Doris Humphrey, la coreografía es el arte de hacer danzas, y al revés, la danza está hecha, o es el resultado de la coreografía. Danza y coreografía se confirman mutuamente, sin necesidad de aportes externos. Quizás lo que más necesita la danza y la coreografía no es un casamiento, sino un divorcio, Post-dance, An advocacy, Martin Spangberg.
Para mí, el arte es un acto político.
La danza es disciplina y rebeldía.
Mi cuerpo es mi país.
La coreografía es un vehículo para la propia realización personal.
Para crear se necesita coraje. La palabra coraje proviene de una raíz latina que significa “del corazón”.
En su libro Coraje para Crear (1975), Rollo May trata de definir los diferentes tipos de coraje: el Coraje Físico, el Coraje Moral, el Coraje Social y el Coraje Creativo. El autor pone su atención sobre la tensión entre la convicción y la duda como fundamento de la forma más alta de valentía. El individuo creativo equilibra la convicción y la duda. Estas son algunas de sus citas en este libro: “La creatividad surge de la tensión entre la espontaneidad y las limitaciones, éstas últimas (como las orillas de los ríos) forzando la espontaneidad en las diversas formas que son esenciales para la obra de arte o el poema”; “Si no expresas tus propias ideas originales, si no escuchas a tu propio ser, te habrás traicionado a ti mismo. También habrás traicionado a tu comunidad al no hacer tu contribución”.
Para mí, hacer arte es tratar de celebrar y criticar las barreras sociopolíticas y culturales.
Hacer arte es una ceremonia de toma de conciencia.
El coraje revela intimidad.
¡Los invito a enmarcar sus propios impulsos de libertad coreografiando!
*Fotos: Todd Carroll